Criticunder Movie

Caballo de Guerra, el viejo Steven está de vuelta

2012-02-17T13:01:00.002-03:00

Por: Patricia Relats

Calificación: ★★★★

El tío Steven es uno de mis directoresfavoritos, no puedo evitarlo. Me encanta saber que voy a ver un despliegue deilusiones que sólo su cine me hace sentir y que pase lo que pase, me quedarécon un mensaje esperanzador sobre la vida y la humanidad. Él es así: usa elcine para soñar por más que no la ha tenido fácil y yo siempre respondo a cadacosa que hace como cuando tenía 8 años y lloré desconsolada porque ET se iba.

Esta historia ha sido tachada de rosapero es un melodrama hollywoodense con una estructura bastante clásica queresponde a casi todas sus constantes: está la música como catalizador casi todoel tiempo, la fotografía imponente, el poner la historia por sobre el casting,la utilización de grandes planos abiertos para que se luzca el set y así puedoseguir. Yo creo que todo lo que funciona tiene que remarcarse, no se trata decondenar a nada por etiquetas y cuando digo “hollywoodense” o “comercial” nolos veo como aspectos negativos.

Por otro lado, la mano del director seve cuando nos presenta los distintos episodios en la vida del caballo,estructura que funciona ya que todas se cierran en sí misma y se pueden separarcomo fragmentos. Está muy bien usada y va dotando de carácter al animal.

Una vez escuché que alguien decía quemandaban a los jóvenes a la guerra no porque fueran más fuertes o más rápidos,sino porque creen que no van a morir nunca. Acá se nota esa arrogancia que seconfunde con valentía y vemos muertes innecesarias y crueldades miles. Laescena en la que los bandos se unen por misericordia al animal atrapado esbrillante por eso, porque logra contrastar la basura y mostrar que losadolescentes de ayer, después de la guerra, son veteranos a los 20 años.

La película es para pantalla grande ypara el sonido de siete canales de la sala. Perdón, pero es así. No importacuán buena sea tu copia, nunca va a ser lo mismo el fílmico. La paleta decolores es brillante, la ambientación también y la música…bueno, es JohnWilliams. Yo creo que él respira música y nosotros reaccionamos como bajo unencantamiento.

Advertencia: no existen los melodramasbreves. Es para ahogarse en pochoclos.

Ficha técnica

Director: Steven Spielberg
Género: Drama, historia, guerra
País: Estados Unidos
Año: 2011
Duración: 146 minutos
Elenco: Jeremy Irvine, Emily Watson y David Thewlis

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El artista, el cine de antes como antes

2012-02-14T12:17:00.000-03:00

Por: Patricia Relats

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Calificación: ★★★★★

No soy de las que creen que sólo el cine arte es bueno. No me gusta ensalzar cosas insoportables ni delirios artísticos. Para mí el cine es una combinación entre industria y arte y lo defiendo a muerte. Cuento esto para los que piensan “¡Uf! Blanco y negro y muda, ni loco”.

En El Artista se cuenta la historia de un actor del cine mudo que no logra pasar al sonoro. Historia que hemos visto millones de veces de muchas maneras diferentes, pero me gustó cómo están cuidados los detalles desde las transiciones que usan, cuándo utilizan el sonoro y cuándo no y el diseño de títulos que después se lo vuelve a utilizar para mostrarte el ascenso de ella.

Se nota un estudio minucioso por parte de Michel del cine mudo de Hollywood, cuando mueven los labios los personajes hablan en inglés y las claquetas no tienen claq ya que eso se utiliza en el sonoro para sincronizar la banda de audio con la de imagen.

Además, el perro termina dando la nota cómica para alivianar tensiones y Berenice da la nota de frescura que la hace parecer una adolescente el noventa por ciento del film, pero lo digo en el buen sentido. Me parece que hace un contrapunto con la amargura y la nostalgia de él que funcionan muy bien.

Pero eso no es todo: aparecen los carteles con las leyendas también y éstos casi siempre tienen una ironía escondida. Y la sala responde.

La película es amena, es sencilla para que puedas entender de qué va sin mayores problemas y está manejada casi en un cien por cien por el carisma de Dujardin que se lleva las miradas con la sonrisa tatuada y esa expresión con las cejas que él mismo ha dicho “tienen vida propia”.

Un tierno homenaje más que al amor, al cine…y como toda cinéfila, es una flecha directa al alma. No es una película que vayan a ver demasiadas veces, pero si que vale la pena verla en cine para que nada te distraiga. Y en un horario con poca gente…

Ficha Técnica

Duración: 100 minutos

Año de Producción: 2011

Origen: USA, Francia, Bélgica

Formato: 35 mm, Blanco y negro

Dirección: Michel Hazanavicius

Guión: Michel Hazanavicius

Producción: Thomas Langmann /Emmanuel Montamat

Producción Ejecutiva: Daniel Delume/ Antoine De Cazotte/ Richard Middleton

Coproducción: Adrian Politowski / Gilles Waterkeyn

Diseño de Producción: Laurence Bennett

Dirección de Fotografía: Guillaume Schiffman, AFC

Montaje: Anne-Sophie Bion/ Michel Hazanavicius

Dirección de Arte: Gregory S. Hooper

Diseño de Vestuario: Mark Bridges

Música Original: Ludovic Bource

Casting: Heidi Levitt, C.S.A.

Ficha Artística

George Valentin Jean Dujardin

Peppy Miller Bérénice Béjo

Al Zimmer John Goodman

Clifton James Cromwell

Doris Penelope Ann Miller

Constance Missi Pyle

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“Conàn, extrañamos tanto a Arnold!”

2011-10-06T16:11:00.002-03:00

Por: Leo Scabone

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Calificación: ★★

Si bien se estila hacer uso de este recurso desde que el cine es cine y solían aparecer en cuenta gotas, hace aproximadamente 10 años en Hollywood se puso de moda hacer remakes. ¿Falta de ideas? Puede ser. Lo principal es que las remakes eran de guiones interesantes y novedosos para la época del original y que, de acuerdo a las nuevas tecnologías, se podían incluso mejorar la trama, los personajes y sobre todo los efectos especiales.

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Lamentablemente, nada de esto ocurre con esta versión 2011 de Conan, el bárbaro. Para empezar, la Conan original no era una película cuyo guión despertara suspiros, así que ni hablar de lo que sucede en esta remake.

Cualquiera que haya visto cualquier película de acción donde hay una venganza de por medio, sabe que va a pasar desde que empieza hasta que termina. Cae en todos los lugares comunes: el malo despiadado, el bueno que también es despiadado pero porque lo obliga la sed de venganza, la chica inocente que se enamora del bueno despiadado, el fiel compañero de correrías y las chicas fáciles dispuestas a mostrar algo más que el cuello.

Claramente, el director Marcus Nispel, quien viene del mundo de los videoclips y las películas de terror, se propuso entretener a un público mayormente pre-adolescente que no se desviva por la historia, sino por la aventura sin ton ni son.

No pudimos observar la versión en 3D como para saber si está bien utilizado el recurso, pero podemos nombrar todos los recursos que no están bien utilizados, como el exceso de sangre, vísceras y desmembramientos tan en boga en este Hollywood “Post-Juego del Miedo”, los efectos especiales que quedan a mitad de camino entre lo bizarro y lo increíble y las actuaciones que hacen extrañar al poco talentoso ex gobernador de California.

Al nuevo Conan, Jason Momoa, le quedaba mucho mejor su papel de Khal Drogo en la serie Games of Thrones, donde no tenía que hablar y sólo blandir su cuchillo. Su contraparte femenina, Rachel Nichols, sólo tiene una expresión para expresar picardía, deseo, miedo y asombro, debido a lo cual nunca se sabe si es una u otra. La bella Rose McGowan compone a una mala interesante si hubiera tenido más desarrollo, pero como todos los personajes, se quedan en el “ahí nomás”. Sólo queda como consuelo lo poco que está en pantalla Ron Perlman, pero que le sirve para resaltar en un elenco mediocre.

Ojalá los productores/directores de Hollywood afinaran la puntería a la hora de versionar o, mejor aún, ojalá a los guionistas se les cayera una idea original para no tener que ver remakes de películas clase B, transformadas en películas clase C.

Ficha Técnica

Título Original: Conan the Barbarian
Género: Acción / Aventura / Fantasía
Año: 2011
País: EEUU
Idioma: Inglés

Elenco

Ron Perlman ........ Corin
Jason Momoa ........ Conan
Rachel Nichols ........ Tamara

Rose McGowan ........ Marique
Stephen Lang ........ Khalar Zym
Bob Sapp ........ Ukafa
Leo Howard ........ Young Conan
Katarzyna Wolejni ........ Valeria

Ficha Artística

Director: Marcus Nispel

Guión: Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer, Sean Hood, Robert E. Howard
Producida por: Boaz Davidson, Danny Dimbort ,George Furla,
Joe Gatta y Avi Lerner
Música Original: Tyler Bates
Dirección de Fotografía: Thomas Kloss
Edición: Ken Blackwell

“Un sueño en la noche parisina.”

2011-07-01T01:10:00.001-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★★

Un escritor norteamericano algo bohemio (Owen Wilson) llega con su prometida Inez (Rachel McAdams) y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde va a conocer a personajes que jamás imaginaría iba a conocer...

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El nuevo film de el Sr. Allen es un encantador paseo por París, juega con la nostalgia, con ese olor a lluvia en los adoquines, en esos bares pequeños, esas casas que venden chucherías. ¡Qué Linda es! Los primeros minutos muestra, gentilmente, eso.

Este viaje en el tiempo, va a ser de los más geniales que tengamos en nuestra vida. Van a estar todos nuestros pseudo-heroes literarios, con grandes interpretaciones tanto de los personajes del pasado como del presente.

El encantador Owen Wilson, hace que todo tenga un nuevo sentido. Con ese aire de bohemio relegado a guiones de cine y para colmo comprometido con una chica tan estirada que no entiende nada de su arte. Su cara lo expresa, su voz lo expresa y sus actitudes también.

Allen nos sorprende gratamente, como habrá sorprendido en Cannes cuando abrió el festival.

Los ingeniosos diálogos, la rapidez y la soltura, esa sencillez de decir las cosas que son retorcidas. Embellecer las palabras para lo concreto, esa melancolía justo a esa tenacidad por ese amor, casi imposible.

Marion Cotillard, reina de todos los reyes, más sensual que nunca pero también mas naif, queriendo vivir en la belle epoque, donde quiere ser una gran artista de la indumentaria teatral, se cree amante de todos, pero sólo es amada por una sola persona que le quedará impresa en su memoria para toda la vida.

Medianoche en Paris hace que de nuevo miremos a ese Allen, que quizás en un momento perdimos, pero volvemos a encontrar.

Ficha técnica-artística:

Dirección: Woody Allen
Guión : Woody Allen
Producción:Letty Aronson Stephen Tenembaum
Jaume Roures
Producción Ejecutiva: Javier Méndez
Coproducción: Helen Robin
Rápale Benoliel
Diseño de Producción: Anne Seibel
Dirección de Fotografía: Darius Khondji Asc, AFC
Montaje: Alisa Lepselter
Dirección de Arte: Hélène Dubreuil
Diseño de Vestuario: Sonia Grande
Casting: Juliet Taylor
Patricia DiCerto
Stéphane Foenkinos

Gert: Kathy Bates
Salvador: Adrien Brody
Museum Guide: Carla BruniAdriana: Marion Cotillard
Inez: Rachel McAdams
Paul: Michael Sheen
Gil: Owen Wilson

“El laberinto del drama.”

2011-06-23T03:11:00.001-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★

Rabbit Hole es una adaptación de una obra de teatro que trascurría en un espacio reducido, donde los personajes se movían acotadamente, premiada en el 2007. El mayor reto de hacer el film fue ese justamente, aportarle todo lo que se veía en ese escenario, pero llevándolo al cine; el escenario se expande, se hace inmenso y hay que jugar con las historias que se entrelazan en este laberinto que se construye por tragedias y abandonos.

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Becca y Howie Corbett (NICOLE KIDMAN y AARON ECKHART) sufren un golpe tremendo, hace ocho meses dejo de respirar, de correr, de reír su hijo único. Howie esta visiblemente devastado, desolado con la vida, trata de seguir el camino pero le parece muy duro no a su mujer Becca que parece un témpano ante la realidad.

Va a un grupo de autoayuda, donde otros padres han perdido a sus hijos. Becca no siente pertenecer al círculo pero Howie encuentra alguien que lo respalda, otra compañera de grupo (SANDRA OH). Para expiar sus culpas, Becca empieza a hablar con el que no pudo frenar (MILLES TELLER).

Se arman vínculos raros, casi retorcidos, para poder seguir con la vida, que venden as cosas pero venden su vida, poco a poco. Los cariños se confunden, se mezclan con el amor perdido, el reciproco que ya no es más, que ante las caricias uno sospecha.

Para un tema tan fuerte que expone tanto, se trata de una manera correcta, una manera laxa. La película parece que rebalsa lo que fue la obra y se inunda en un mar donde navega en aguas no muy claras. EN cuanto a las actuaciones no hay por que quejarse: Nicole Kidman una estupenda madre de luto continuo, sin una gota de maquillaje. Aaron Eckhart un padre dolido, con un hueco horrible en su alma, que no puede llenar con absolutamente nada.

Ese laberinto que trascurren los personajes, donde de un modo u otro se tiene que salir para poder volver a vivir.

Ficha artística:

Título: Rabbit Hole
País: USA
Productora: Lionsgate
Director: John Cameron Mitchell
Guión: David Lindsay-Abaire
Reparto: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Sandra Oh, Jon Tenney, Giancarlo Esposito, Tammy Blanchard, Patricia Kalember

“Aguas turbulentas: dos historias, una pantalla y un gran director”

2011-06-10T01:20:00.002-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★1/2

“Aguas turbulentas” es una película de Erik Poppe que se centra en la historia del secuestro de una criatura, seguida de muerte.

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Vamos a tener personajes fundamentales: la madre que ahogan sus penas en casí no recordar a la criatura, el ex-convicto que dice no haberlo matado y su nueva vida como pianista en una iglesia.

Las ironías están a flor de piel: la madre reclama “¿Cómo un asesino puede estar en una iglesia?” y el cura, paciente le contesta que Dios todo lo perdona, que ella debería hacer lo mismo. Una madre desgarrada, que por ir a limpiase una manchita de café de repente se esfuma su hijo, como si nada.

Así de misteriosos son las vueltas de la vida...

La historia está contada desde dos puntos diferentes: el ex-convicto devenido en organista de iglesia y la vida de una madre obsesionada hasta las últimas consecuencias. El relato, pasivo por momentos, pero por otros con mucha potencia, nos da la posibilidad de estar en la vereda de enfrente para poder ponernos a donde nosotros queramos.

El pasado y el futuro se mezclan de una manera casi perfecta, donde todos tiene que aceptar su destino o simplemente salirse de él, quiérase o no tenemos un camino…

Erik Poppe nos adentra en estos universos donde no sabemos cuan mal o bien están las acciones, porque todo el drama, y por momentos suspendo de “qué pasará?” se intensifica, a paso de tortuga, pero muy acertadamente. Ese ritmo hace que uno se vea más inmerso en la historia.

No es una película de Hollywood y no concibe los absurdos tiempos que a veces están estipulados. Es una película diferente a donde otro de los protagonistas más importante va a ser el espectador, que va a decidir con que historia se quedará.

Estreno: 9 de Junio de 2011
Salas
Arteplex (Belgrano, Centro y Villa del Parque) – Patio Bullrich – Cinema city general paz– Sunstar (San Isidro)
Cinema Paradiso (La Plata)
Calificación: SAM 16 años
Duración: 119 minutos.

PROTAGONISTAS
Pål Hagen Valheim Sverre: Jan Thomas
Trine Dyrholm: Agnes
Ellen Dorrit Petersen: Anna

Ficha Técnica:

Título Original: De Usynlige
Género: Drama
Año: 2008
País: Noruega, Suecia
Producción: Paradoja AS
Co-producción: Casa de Cine de Nueva Empresa AB, Scanbox, Internacional de Cine de Baviera
Productor: Gjerdrum Finn, Stein B. Kvae, Erik Poppe
Guión : Harald Rosenlow Eeg
Fotografía: John Rosenlund cristiana (FNF)
Editor : Einar Egeland
Música: Johan Söderqvist
Vestuario: Ana Pedersen
Idioma: Noruega
Detalles técnicos:
90 min, color, 35mm, 1:2,35, Dolby DTS

“Incendies, la mujer que canta.”

2011-05-26T03:08:00.002-03:00

Por: Patricio Pereyra.
patricio.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★★

Cuando el notario Lebel (Remy Girard) hace a los gemelos Jeanne y Simon Marwan (Mélissa Désormeaux-Poulin y Maxim Gaudette) la lectura del testamento de su madre Nawal (Lubna Azabal), se quedan atónitos al ver que les hace entrega de dos sobres, uno destinado a un padre que ellos creían muerto y el otro a un hermano cuya existencia ignoraban. Así comienza esta gran película que es firme candidata a convertirse la mejor del año, lejos.

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Mientras Jeanne toma el legado de su madre y emprende rauda la búsqueda en el lejano Medio Oriente, a Simón, en cambio, no le importa para nada ese incierto acertijo que les dejó su progenitora… una herencia oscura, intensa... más, no se puede contar sobre esta apasionante historia contada de una forma magistral por Dennis Villenueve, el director que llevó a este interesante texto teatral al cine, convirtiendolo en una verdadera joya.

Contando con talentosos recursos: grandes actuaciones, hermosa fotografía, una acertadísima dirección basada en el impecable guión a cargo de Denis Villeneuve (a partir de la obra teatral de Wajdi Mouawad). Este dramón coproducido por Canadá y Francia era amplia merecedora del Oscar (compitió en la categoría de mejor película extranjera por Canadá).

Estos gemelos se remontarán al comienzo de la historia de la mujer que les dio la vida y descubren un destino trágico marcado a fuego por la guerra y el odio..., y el valor de una mujer muy especial que siempre forjó su lucha.

Ficha artística:

Película: Incendies.
Dirección: Denis Villeneuve.
Países: Canadá y Francia.
Año: 2010.
Duración: 125 min.
Género: Drama.
Interpretación: Lubna Azabal (Nawal), Mélissa Désormeaux-Poulin (Jeanne), Maxim Gaudette (Simon), Rémy Girard (notario Jean Lebel).
Guión: Denis Villeneuve; a partir de la obra teatral de Wajdi Mouawad.
Producción: Luc Déry y Kim McCraw.
Música: Grégoire Hetzel.
Fotografía: André Turpin.
Montaje: Monique Dartonne.
Vestuario: Sophie Lefebvre.
Distribuidora: Alta Classics.
No recomendada para menores de 12 años.

“El amor lo puede todo.”

2011-05-19T19:58:00.001-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★

Robert, interpretado por el increíble Martín Landau, es un anciano que vive solo en una gran casa. Empleado longevo de un supermercado de la zona, no hace otra cosa que dibujar en un pequeño cuadernito mientras que escucha a su jefe, muy joven, hablando sobre recetas de navidad. Mary, Ellen Burstyn hermosa como siempre, interpreta a una mujer mayor que de repente se queda estupefacta ante Robert en un pasillo de supermercado. No sólo lo mira, sino que lo observa atentamente, sus movimientos... que hacía. Le interesó.

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Nick Fackler, un joven director, cuenta una historia que nos sorprende. Su manera pausada, suave y distendida mezclado con una inmensa ternura esta cerca del sufrimiento y del amor herido. Con sólo 24 años y este su primer largometraje nos hace estar pendientes de la película, de lo que pasa y de lo que sugiere. Es un drama, no esperemos que todo este amor no sea sólo un pobre colchón para cuando caigamos en la terrible verdad, que este realizador no hace dar un golpe.

Entre la vida y las imágenes confusas, hay siempre hay algo que no podemos complementar, una pieza que falta, una información que no nos deja pegar todos los pedacitos de esta vajilla rota. Todo a su justo tiempo, con pequeños detalles podemos armar este rompecabezas donde sus protagonistas se lucen de lo lindo.

Martín y Ellen son dos estrellas que hacen que el film sea también una caricia en esta historia de diciembre, pleno navidad, para un final un tanto lagrimoso y hasta culposo, confuso. Los dos interpretan en la superficie a personajes simples, pero cuando uno ve un poco más allá se da cuenta que son complicados.

Este trío de talentosos hace que “el amor de Robert” no sea una película primeriza, sino algo más allá… es la historia de como pasar mal las navidades.

Ficha Técnica:

Guión & Dirección: Nicholas Fackler
Producción: Dana Altman/ Lars Knudsen/ James Lawler/ Jay Van Hoy
Producción ejecutiva: Virgil Price/ Jack Turner/ Dany Garcia/ Ian McGloin/ Jamie Mai/ Charlie Ledley / Martín Landau
Director de fotografía: Sean Kirby
Editor: Douglas Crise
Diseñador de producción: Stephen Altman
Musica original: Nathaniel Walcot & Mike Mogis

Ficha artística:

ROBERT ………………………………Martin Landau
MARY …………………………………Ellen Burstyn
ALEX …………………………………. Elizabeth Banks
MIKE …………………………………. Adam Scott

“Vienen por el oro, vienen por todo en el cine nacional”

2011-05-19T19:44:00.000-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Este documental hecho en el 2003 en Esquel cuenta la historia de un pueblo que lucho contra algo que iba a usar litros de agua sino también cianuro: una empresa canadiense ganó la licitación para explotar una mina a 7km del pueblo, donde todo funciona correctamente. En este pueblo patagónico el 41% de la población está debajo de la línea de pobreza, algunos pobladores pensaban que esta mega empresa podría dar trabajo para aquellos que no lo tenían.

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Con una excelente dirección de la mano de Pablo D’Alo Abba y Cristian Harbaruk esta suerte de libro filmado de la lucha de los pobladores nos cuenta como no sólo las empresas extranjeran se apropian de lo ajeno pero a su vez se llevan mucha plata, sin contar las riquezas que toman de nuestros hermosos paisajes, donde hacen minería a cielo abierto.

La narración esta a cargo de Julieta Díaz, cuenta, con voz calma pero iracunda, como empezó todo y también como termino la lucha de los pobladores por tomar el control no sólo de su ciudad sino también de la manera en la que iban a vivir el resto de sus vidas.

Los directores comentan que el documental los busco más a ellos, ya que cuando llegaron a Esquel, allá por fines del 2002, empezaban recién las marchas con los reclamos, con la euforia de defender lo que es de uno, sin dejarse pisotear.

Esto no podía quedar sólo en unas simples protestas, fueron por más y así se hizo un plebiscito por el si o por el no a la mina que no sólo estaría haciéndole mal a la población con el cianuro que iban a dejar corriendo por las aguas sino también que pulverizarían los cerros, vital para la ciudad patagónica.

Este documental es un acercamiento a conocer no sólo la explotación de minas, sino a conocer desde los pobladores más pobres a los más ricos que comparten una partida de póquer mientras todos salen a las calles a protestar.

“Vienen por el oro, vienen por todo” es una excelente mirada para que dejemos de tener tapados los ojos con una problemática que está creciendo: la explotación a cielo abierto está contaminándonos día a día.

Salas
Desde el jueves 5 de Mayo – Auditorio Malba: Todos los Jueves a las 19 hs y Viernes a las 20 hs
A partir del jueves 12 de Mayo - Cine Gaumont
Calificación: ATP

Ficha técnica:

País de Producción : Argentina - Bolivia
País de Rodaje: Argentina
Año de producción: 2010
Duración : 83 min.
Formato original: 35mm
Directores: Pablo D’Alo Abba & Cristian Harbaruk
Guión: Cristián Harbaruk, Pablo D’Alo Abba, Rocio Azuaga
Fotografía: Daniel Ortega
Narración: Julieta Diaz
Sonido: Martin Bosa
Música: Alejandro Teran, Martin Bosa, Juan Patricio Mendoza , Pablo D’Alo Abba
Edición: Alejandro Arias, Pablo D’Alo Abba
Producción: Hugo Castro Fau, Cristian Harbaruk, Pablo D’Alo Abba, Viviana Saavedra, Fernanda del Nido
Distribuye: Malcine

Narración en off de la actriz Julieta Diaz.

“Poder que mata, la recomendación.”

2011-05-19T19:00:00.000-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)

julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

“Poder que mata”, protagonizada por Naomi Watts y Sean Penn bajo la dirección de Doug Liman, narra un escándalo político que sucedió en la administración Bush cuando justificaban la invasión a Irak y la caída del régimen de Saddam Husein.

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Las mentiras salen y entran de la Casa Blanca, donde el futuro del mundo se planea todos los días. En la CIA, casi en un sótano, esta Valerie Plame, agente encubierta que va de un lado para el otro en distintas misiones donde cree saber una verdad: en Irak no hay armas nucleares solo pobres físicos que son obligados a trabajar en un campo sin pensar en una carrera armamentista.

Valerie se debate entre su vida personal y la privada, diciendo que trabaja en una pequeña empresa, en un puesto bastante aburrido. Mientras que su marido Joe Wilson, ex embajador estadounidense, reacciona y refuta a todos los amigos de su mujer.

Con este ímpetu también Joe quiere poner en jaque al Gobierno Norteamericano, no miediendo las consecuencias de un artículo publicado en el diario más leído de todos los Estados Unidos. Sin saber tampoco que serían acosados por la prensa, que Valerie perdería el trabajo y que también serían señalados por todos.

Esta intrigante trama, basada en un hecho real, esta viene estructurada, con una narracion limpia, montada de manera que uno puede seguir el ritmo, no para nada lento, pero lo suficientemente rápido como para poder comprender como se van a desarrollar los hechos.

No olvidemos las excelentes interpretaciones, con un Sean Penn que no quiere abdicar por nada, que dice tener la verdad en sus manos. Naomi Watts en su papel es una estoica mujer, que reclama a los cuatro vientos que esto la perturbo, derrumbo todo lo que tenía, todo lo que había logrado en esos 18 años de estar en la CIA, que había encontrado su punto de quiebre.

“Poder que mata” deja en claro que existen personas que tienen fuerza y coraje para adentrarse en una de las cacerías al estilo “caza de brujas” de Mc Carthy sólo porque se quiere decir la verdad.

Ficha Técnica:

Título: Caza a la espía
Título original: Fair Game
País: USA
Productora: River Road Entertainment, Participant Media, Zucker Productions, Weed Road Pictures, Hypnotic
Director: Doug Liman
Guión: John-Henry, Jez Butterworth
Reparto: Naomi Watts, Sean Penn, Ty Burrell, Bruce McGill, Louis Ozawa Changchien, Sam Shepard, Noah Emmerich, Sean Patrick Reilly, David Andrews, Michael Kelly
Calificación: Apta para todos los públicos

“Gnomeo y Julieta, una película para grandes y chicos.”

2011-05-05T00:29:00.001-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)

julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★★

Siempre existió el mito de que cuando no los vemos los Gnomos de jardín se mueven, hacen cosas que jamás vamos a conocer. En esta historia se cuenta lo que hacen: rojos y azules se pelean incesantemente ¿por qué? Una absurda rivalidad al estilo Capuleto vs Montesco que pelean por ver quién es super.

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Los Gnomos de rojo tienen a la hermosa y delicada Julieta, que secretamente es una ninja que quiere una flor cupido que esta fuera de sus límites, para eso… su rana amiga Nanet, la ayuda a salir. Ahí se encuentra con su amor prohibido el azulino Gnomeo.

Sus manitos de cemento hacen contacto y se dispara el amor. Esta desopilante historia de amor, hará que no sólo chicos se rían sino grandes también puedan disfrutar de este romance en 3D.

No olvidemos que está dirigida por Kelly Asbury, responsable de “Shrek 2”, donde todo el tiempo está la dualidad de la comedia para chicos y para grandes también. Pero este no es lo único destacable, aparte de tener a dos grandes actores británicos como Emily Blunt y James McAvoy también cuenta con las participaciones de Ozzy Osborne y Jason Statham entre otras grandes personalidades.

Esta película, con glamour, está producida por el astro de la música británica Elton John, teniendo una gran estética, cuidando todos los detalles de estos personajes de cemento que cada vez que se dan la mano hacen un ruidito muy especial.

La historia no es tan trágica como la de Romeo y Julieta, sino que tiene un humor desopilante donde se disfruta cada momento, sin ninguna lagrima, pero con muchas risas “Gnomeo y Julieta” se hace querer y hasta tenerla en el recuerdo.

Ficha artística:

Título: Gnomeo y Julieta
Título original: Gnomeo & Juliet
País: USA
Productora: Touchstone Pictures
Director: Kelly Asbury
Guión: Rob Sprackling, John R. Smith, Kevin Cecil, Andy Riley, Mark Burton
Reparto: (Voces de) James McAvoy, Emily Blunt, Michael Caine, Jason Statham, Maggie Smith, Patrick Stewart, Ashley Jensen, Stephen Merchant, Matt Lucas, Jim Cummings, Julie Walters, Richard Wilson, Ozzy Osbourne, Dolly Parton, Hulk Hogan
Calificación: Apta para todos los públicos

“El buen comer hace bien al alma.”

2011-05-05T00:20:00.004-03:00

Por: Julia Gaston (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Fatih Akin es el director de “cocina del alma” una comedia romántico, no al estilo Hollywoodense con tontas interpretaciones sino sacando lo mejor de una serie de eventos torpes que en un futuro van a ser grandiosos.

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Una verdadera comedia de enredos, con diálogos rápidos, contestaciones ocurrentes y casi un sinfín de problemas que se solucionaran de a poco, pero al mismo tiempo creando otros nuevos, para delicia del espectador y su buen humor.

Este film tiene distintos personajes, de todas las nacionales, colores y razas. Lo que hace Fatih Akin es mezclar todo en una gran ensaladera para hacer esta comedia haciendo que se reformulen problemáticas sociales y culturales.

Zinos tiene dos problemas: un hermano que tiene salidas laborales de la cárcel y es un terrible tramposo, y por otro lado su restaurant solo da pérdidas y tiene una clientela de comida de microondas. Pero sin olvidar su novia periodista con ímpetu de ser una gran estrella de las páginas de los diarios en la sección internacional.

Lidear con todo esto ya es mucho, pero se suma un dolor de espalda horrible que no lo deja en paz, lo tiene a maltraer. Inmediatamente va a conocer a otra de las protagonistas de la película quien será la que los salve de muchos problemas.

Las actuaciones en esta historia donde todo se mezcla en una gran sopa que esta por ser servida a los comensales, le da una suerte de ritmo, movimiento que se sustenta con grandes diálogos. Esta historia no va a dejar por un minuto que todo se arruine con una inminente depresión del protagonista, sino va a seguir más allá, hacía el ridículo total.

La película tiene planteado un ir por más todo el tiempo, ir por más con los protagonistas, con la música que envuelve los momentos todo el tiempo y hace que sean casi perfectos.

“Cocina del alma” son tres cosas: buena estructura, buen director y muy buena música… hacen de este restaurant un recinto de alegría para el humor y sobretodo el buen comer.

Ficha artística:

Dirección: Fatih Akin
Guión: Fatih Akin Adam Bousdoukos
Estreno (Argentina):5 Mayo 2011
Título Original:Soul Kitchen
Género: Comedia
Origen: Alemania
Duración:99 minutos
Clasificación:AM13
Distribuidora:Alfa Films

Picaditas noticias.

2011-04-28T12:12:00.001-03:00

Russell Crowe debuta como director en el film “77”

Esta historia empieza con el guionista Ellroy, que tiene entre sus logros “L.A. confidential” o “Black Dhalia”, alguien que se dedica como se puede ver, al nuevo cine negro que toma cosas del pasado pero con una mirada contemporánea.

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En 2001 el guión de “77” fue adquirido por Dick Wolf, productor de la serie “La ley y el orden”, que sentenció “es el mejor guión que lei en mi vida”. Por infortunio fue adquirida por Paramount sometiéndola a varios exámenes, cuan extraterreste de Roswell, pasando por las manos de varios guionistas de la empresa.

El script se quedó juntando polvo en un rincón… pero luego de 10 años sin saber nada del asunto Deadline informa que va a ser dirigida por Crowe, pero no será el guión original sino unos reescrito por David Matthews.

Así que después de tantos años de carreras, premios ganados, el Sr. Crowe va a debutar como director, por su estrecha relación con Ellroy, tuvo acceso a este proyecto.

Adivina adivinador ¿cómo se llama el nuevo film de Woody Allen?

“The wrong picture” va a ser el título de la nueva película de Woody Allen que va a rodarse en Roma este año. Con la participación de su nueva musa: Penélope Cruz, también en el reparto tenemos a la eterna adolescente Ellen Page, Alan Baldwin y Jesse Eisenberg de la ultrataquillera Red Social.

Woody está viendo las locaciones donde se filmará y también busca las estrellas italianas que lo acompañarán en esta nueva película. Lo que puso trascender, de la propia boca del director, es que él se escribió unas pequeñas líneas para poder estar unos minutos en su nuevo film.

A su vez dejo muy en claro que la esposa del Primer Mandatario Francés, Carla Bruni no estará en este nuevo proyecto: “Carla no aparecerá en la nueva película, no quiere dedicarse a ser actriz, el papel de ‘Midnight in Paris’ lo hizo por pura diversión”.

Todavía no sabemos de qué va el argumento, porque siempre Allen es muy reservado con sus argumentos, aunque todos apuestan a que será una comedia romántica. Ahora sólo nos basta esperar para poder verla en la gran pantalla.

Metegol y una gran colaboración

Metegol es la nueva película en la que está trabajando Juan José Campanella que estará basada en un cuento del querido Roberto Fontanarrosa, no sólo tiene ese plus sino que también es una película de animación en 3D, cosa que no se ve todos los días en la Argentina.

Esta película es una gran apuesta (de unos 9 millones de dólares)y por eso mismo va a estar acompañado de grandes en el cine de animación como es Sergio Pablos, uno de los más reconocidos en el mundo, director de “mi villano Favorito”.

El artista formado en los estudios Disney, y artífice del gran éxito de taquilla de 2010, será responsable de coordinar a los equipos de animación de Madrid y Buenos Aires.

Metegol, una de las producciones más importantes de Iberioamérica, es co-producida por España y Argentina, a través de Plural-Jempsa, 100 Bares producciones y Catmandu Entertainment.

Por: Julia Gaston (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

“Scre4m, sin elementos sorpresas.”

2011-04-28T11:59:00.002-03:00

Por: Julia Gaston (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★

Sidney Prescott vuelve a su pueblo natal, Woodscot, para presentar su libro autobiográfico contando todos los pesares de su vida desde 1996 hasta el 2000 por ghostface como si fuera una pesadilla recurrente. En estas aventuras no podemos dejar de lado ni al torpe pero siempre eficaz policía Dewey y Gale, periodista tenaz que va detrás de la noticia.

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Esta vuelta nos presenta nuevos personajes. La primita de Sidney: Jill y sus amigas: Kirby y Olivia. Parece que nada cambio en este pueblo que para celebrar la vuelta de su heroína ponen mascaras por las calles, como una especie de rito.

No nos olvidemos de los freaks, esta vez no son como Randy, sino mucho peor. Al parecer saben todo lo que va a pasar. El ver películas de terror y celebrarlas como si fueran reales causa, aparentemente, ese efecto, que resulta realmente insoportable.

Debo decir que otra vez fuimos engañados por el Sr. Wes Craven ¿Porqué? Recuerdo escucharlo en una entrevista diciendo “esta película cambiará el género” Todavía no me decido si hablaba de la comedia o la sátira, por que esta nueva “Scream”.

Esta bien tener gracia y tener momentos como los creados por Darío Argento o el rey de los zombies George Romero. Pero lo que hace la auto burla es crear un punto de fuga donde el terror se escapa.

Kevin Williamson, eterno guionista, quiere generar un ritmo que finalmente destroza todo porque se vuelve algo lento, denso… y aparte a los 15 minutos todos sabemos quien es el asesino, dejándonos sin ese elemento sorpresa que “Scream” tuvo para una generación nueva de terror.

Ficha:

Dirección: Wes Craven
Guión: Kevin Williamson
Estreno (Argentina): 28 Abril 2011
Título Original: Scream 4
Género: Terror Thriller
Origen: Estados Unidos
Duración: 109 minutos
Clasificación: AM16
Distribuidora: Alfa Films

“Cruzadas, sin sentido jamás mezcladas”

2011-04-21T02:26:00.003-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★1/2

“Cruzadas, jamás mezcladas” es el sexto largometraje del director Diego Rafecas. El desafió que se propuso fue darle una trascendencia a los personajes más allá de las personas que están como protagonistas de la película.

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Ernesto Pérez Roble (Enrique Pinti), un magnate de los medios argentinos, tiene dos hijas: una reconocida y la otra extramatrimonial: Juana Pérez Roble (Moria) y Camila Lamonica (Nacha) son polos apuestos solamente unidos por un padre que, pocos días antes de morir, se da cuenta que la vida la había vivido bastante mal.

Entre risas, arrepentimiento y ese blanco y negro constante que maneja la película donde los grises no tienen mucha transcendencia, hacen que sea una sátira con aires de grotesco que no quedan muy bien, ya que la idea no cierra por completo.

El montaje al principio es algo que puede desconcertar, sobretodo porque esos movimientos tan bruscos entre el ahora y lo que paso hacen que el espectador quizás se pierda en una trama no muy complicada pero con un crisol de actores, que aparecen de repente ante nuestros ojos.

“Cruzadas, jamás mezcladas” parece ser una jungla entre actores conocidos y desconocidos. Entre el buen gusto y el muy malo…

Enrique Pinti es el que se destaca en su papel, con un parlamento siempre firme, natural, el personaje le va de los pies a la cabeza. Un hombre mayor “de alta alcurnia”.

Algo falla constantemente en la película: Rafecas toma el reto que de poner a Moria en un papel de mujer fina y a Nacha en el papel de la mujer que es un icono de la cumbia, cuando por lo general, se pensaría que los papeles iban a ser al revés. Se podrían haber desarrollado de una manera más natural y totalmente diferente, no tan estructuradas como están… una falla y retroceso hacia este director que se había lucido en “Paco”.

“Cruzadas” termina siendo un revoltijo de colores, maquillajes explotados, traspiraciones y mal gusto para hablar en tono satírico sobre las clases sociales en la argentina.

Ficha Técnica:

Dirección: Diego Rafecas
Guión: Diego Rafecas
Estreno (Argentina): 21 Abril 2011
Título Original: Cruzadas
Género: Comedia
Origen: Argentina
Duración: 90 minutos
Clasificación: AM13
Distribuidora: Primer Plano

“Una crisis letalmente graciosa en 3D.”

2011-04-14T02:08:00.002-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Para todos los amantes del cine grotesco y la sátira vuelve una vez más a las pantallas el personaje de Torrente en su 4to largometraje “Lethal crisis”, pero esta vez con toda la tecnología del 3D para uno de los protagonistas más retrógrados que podemos disfrutar en la pantalla grande.

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Ya fuimos compañeros de este señor en varias aventuras; la primera se pudo ver en los cines argentinos, las que siguieron fueron directo al DVD y esta última fué presentada en el marco del Festival de cine independiente de Buenos Aires (BAFICI).

Santiago Segura no sólo encarna a este ser racista, machista, sexista y todos los defectos que podamos decir de un ser humano, sino que es director, guionista y productor de esta loca aventura donde está poblada por estrellas como el Kun Agüero, David Bisbal y el Pipita Higuaín, entre muchos otros.

Esta vez la historia termina en la cárcel, donde va a querer salir, cueste lo que cueste.

Con un despliegue cinematográfico, casi absurdo, Torrente queda como un héroe de primera categoría con grandes explosiones, persecuciones con choques tremendos y los secuaces, de siempre, que lo ayudan a salir de todos sus aprietos.

Dato curioso: las citas a grandes films, clásicos y modernos: como Vértigo o Matrix, pero no pensemos que esto se queda ahí, sino que apuesta en algún momento a un musical al estilo Bollywood.

Otra cosa para destacar es que el 3D estuvo a cargo del hombre que sabe de este tema: James Cameron y su equipo se pusieron al hombro este film cuando Santiago Segura durante el anuncio de la realización de “El Hobbit” pidió unos “consejitos”.

Torrente no deja de sorprender y hacer reír al espectador con todas las barbaridades por minuto que hace sino que también dice, a las mujeres y principalmente a todo lo que no sea parecido a él, a menos que bueno… seas el Fary que es una especie de semi Dios para el protagonista.

Una vez más tenemos el placer de poder escuchar “apatrullando la ciudad”. Torrente volvió y esta vez la experiencia va a ser más cómica que nunca.

Ficha:

Origen. España
Género: Comedia policial de acción.
Duración: 93 Minutos.
Dirección, Producción y Guión: Santiago Segura.
Actúan: Santiago Segura, Ana Obregón, Yon González.

“La familia para armar: en reconstrucción."

2011-04-14T01:32:00.002-03:00

Por: Julia Gastón (Colaboradora)
julia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★1/2

“Prueba de amor” es el drama de una típica familia que pierde a su hijo en un accidente automovilístico. Grace y Allen Brewer, los padres en cuestión, están interpretados por la estoica Susan Sarandon y el ex 007 Pierce Brosnan que sorprende en su interpretación como un padre dolido en silencio.

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Una familia quebrada hace lo posible por sobrevivir a la tragedia hasta que en su camino se encuentran a Rose (Carey Mulligan) que tiene una sorprendente noticia que los hará estar más separados aún.

En esta película se muestra la segmentación de la familia, como todos toman diferentes caminos para apalear el dolor que sienten. Grace no para de estar al lado del camionero que llevo por delante a su hijo para saber que hablaron en esos últimos 17 minutos de vida que tuvo Bennet (Aaron Johnson). Allen se abstrae y guarda todos sus sentimientos en un pequeño rincón de su corazón.

Por otra parte el que sorprende en la película, por su excelente interpretación, es el hermano menor Ryan (Johnny Simmons), quien opta por drogarse para poder abstraerse de la realidad, esa tristeza profunda de perder a su hermano mayor que llenaba gran parte de su vida.

Aparte de la fragmentación de una familia y la sorpresa ante un embarazo inesperado, también pone en el ojo de la tormenta instalando un dilema: se tiene que dejar de lado el luto por esta nueva vida o se tiene que seguir así ¿es o no un “regalo del cielo” este embarazo?

Ficha:

Título original: “The greatest"
Origen: Estados Unidos.
Género: Drama.
Duración: 98 Minutos
Director: Shana Feste.
Fotografía: John Bailey.
Guión: Shana Feste.
Actúan: Carey Mulligan, Susan Sarandon, Pierce Brosnan, Johnny Simmons y Aaron Johnson.

Pantalla Pinamar 2011 comenzó con Todo!

2011-03-09T16:48:00.004-03:00

Por: Mateo Lorenzo
mateo.criticunder@ymail.com

Comenzó Pantalla Pinamar, séptimo Encuentro Cinematográfico Argentino-Europeo, en el que se dan 98 filmes, entre largometrajes de importantes realizadores y muestras de cortos. El encuentro, que cuenta con invitados nacionales e internacionales, terminará el 12 de marzo. El domingo 13 habrá una jornada “postfestival”, en la que se repitirán varios títulos.

Continuan todos los distintos apartados habituales en el diseño de programación de “Pantalla Pinamar”, que cuenta con la declaración “De Interés Especial” de la Honorable Cámara de Diputados de la Nación. Y, como industrias fílmicas de especial protagonismo en la nueva edición, aparecen la alemana, la suiza y, como invitada especial, la de la India. La muestra se presenta con el apoyo de los organismos de promoción y de las representaciones diplomáticas de todas las pantallas visitantes.

Las entradas generales cuestan cinco pesos y hay talonarios de diez a treinta pesos. Todos los espectadores participarán del sorteo de dos invitaciones para participar de la edición del año 2012 de Festival de Málaga.

El ganador, candidato.

2011-02-17T03:46:00.002-03:00

Por: Florencia Di Santo (colaboradora)
florencia.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Un film que presenta siete nominaciones a los premios oscar, sumado a las seis nominaciones premio globo de mar, es la encargada de transmitir una historia real, en donde el amor, la ambición, y una historia familiar con un trasfondo aun mayor, son puntos clave en El Ganador.

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Se presenta una historia existente, la tradición del famoso “Irish” Micky Ward (Mark Wahlberg), campeón de la Federación Mundial de Boxeo en la categoría Welter Junior, en donde una relación con su medio hermano, una familia ausente, un futuro incierto lo persiguen a menudo.

Las imágenes atrapan la tención del espectador, el dialogo ayuda a continuar con el mismo, la trama, el color, y los fundidos son panoramas favorables para satisfacer un buen resultado artístico.

A menudo en las imágenes se puede relacionar con el famoso Rocky, pero el Ganador sabe desprenderse del mismo, haciendo su propio camino, teniendo en su trayecto imágenes fuertes, sensibles y unas cuantas para replantear algunos pensamientos.

Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Robert Wahlberg, Jack McGee, son esos actores que saben interpretar aquello que un director desea transmitir, una buena realización, gestos adecuados, elementos específicos y demás elementos que confeccionan una buena puesta en escena.

El ganador, es una historia para aquellos que desean ver acción, con una mezcla de emoción, que en ocasiones emociona a más de uno.

Ficha artística:

Director: David O. Russell
Género: Drama, Biography, Sports
Reparto: Mark Wahlberg (Micky Ward), Christian Bale (Dicky Eklund), Amy Adams
(Charlene Fleming), Melissa Leo (Alice Ward)
Música: Michael Brook
Edición: Pamela Martin
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
País: USA
Año: 2010

El discurso del rey, la favorita.

2011-02-10T02:52:00.001-03:00

Por: Patricio Pereyra.
patricio.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★★

Cuando partimos que una película tiene 12 nominaciones a los premios Oscars las esperanzas de encontrarnos con una historia sólida se hacen más presentes que nunca. Corroboro en decirles que las expectativas son colmadas en el punto justo.

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Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Derek Jacobi, Michael Gambon, Timothy Spall conforman un elenco de luxe de esta película que se transforma merecidamente una firme candidata a los premios de la Academia.

Si tenemos grandes actuaciones más una excelente dirección a cargo de Tom Hooper, un director ganador de varios premios Golden Globe por películas o miniseries, que ya mostraba su talento como director a partir de su primer película “Runaway Dog”, a los 13 años con una cámara Bolex de 16 mm.

Rodada en locaciones naturales de Londres y otros puntos del Reino Unido como South y West Yorkshire y Berkshire, entre otros, desde fines del 2009, El discurso del Rey ha recibido hasta el momento excelentes críticas.

La película cuenta la historia desde la muerte del rey Jorge V (Michael Gambon) y la escandalosa abdicación de su hermano, el rey Eduardo VIII (Guy Pearce), para casarse con la norteamericana, plebeya y divorciada, Wallis Simpson y Bertie (Colin Firth), quien durante toda su vida sufrió de un trastorno de dicción, se ve súbitamente coronado como Jorge VI de Inglaterra.

Basada en la verdadera historia del Rey Jorge VI (padre de la actual reina de Inglaterra) El discurso del rey se centra en las búsquedas de un monarca que, en principio, no tenía ganas llegar al trono, para encontrar su propia voz.

Excelente película con dos premios Oscar garantizados para Michael Gambon, como mejor actor de reparto y Colin Firth como mejor actor protagónico es la cita obligada este fin de semana… después no digan que no avise.

Ficha:

Duración: 118 minutos
Año de Producción: 2010
Origen: Reino Unido, Australia
Formato: 35 mm color
http://kingsspeech.com

Top Ten Semanal, Películas del 16 al 20 de Septiembre

2010-09-21T21:46:00.002-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

#	Título	Público	Pantallas
1	COMER REZAR AMAR	64,316	59
2	GATURRO	64,176	105
3	EL ULTIMO EXORCISMO	43,184	46
4	IGUALITA A MI	42,616	113
5	LOS INDESTRUCTIBLES	36,237	80
6	EL ORIGEN	21,237	71
7	EL HOMBRE DE AL LADO	16,725	36
8	TINKER BELL: HADAS AL RESCATE	15,936	46
9	EL ULTIMO MAESTRO DEL AIRE	13,669	65
10	COMO PERROS Y GATOS 2	12,533	68

“Une affaire d'amour” mademoiselle Chambon: El placer de lo simple

2010-09-16T00:05:00.005-03:00

Por: Patricia Relats

pato.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★1/2

En una cinta muy dulce, se nos presenta esta historia que tiene mucho de romántico y de verosímil. En ella encontramos a un buen hombre, trabajador, buen esposo, hijo y padre que un día, por casualidad, azar o destino se encuentra frente a frente con una mujer que lo moviliza.

Llena de silencios (y es que cuando uno está enamorado no siempre la elocuencia viene a ayudarlo), con actores que repiten vestuario (no como en otras comedias que parecen tener dinero suficiente para que su “amado” siempre las vea renovadas) y cámaras desde ángulos que le hacen a uno sentir que se mete en el medio de una situación absolutamente privada, nos deja una película simple y bien contada, de aquellas que hace bastante no vienen apareciendo en 35 milímetros.

El casting está muy bien hecho, en el que se destaca principalmente el triángulo amoroso principal, cuya base es la actuación de Vincent Lindon, conocido actor que siempre nos renueva con sus interpretaciones. En este caso, de un hombre sencillo y de pocas palabras.

Otro elemento para remarcar en el relato es que por más que el matrimonio tenía un hijo pequeño, no lo utilizan como rehén o para momentos en los que supuestamente tiene que enternecer al espectador con una típica escena en la que aparece como un niño amoroso y él un padre ejemplar. El Jérémy de la película es un chico común y corriente que, como tal, a los 6 años no termina de encontrarle gracia a su padre y se ignoran con estilo.

Es una historia cercana, llena de sugerencias y una idea de amor platónico patente en cada momento, y es que el enamoramiento es mucho de eso. Un film para ver cuando se está en el cine o sumergido en el sillón de casa, con el celular apagado y una copa de vino.

Ficha artística:

Jean ……….. Vincent Lindon

Véronique Chambon ……… Sandrine Kiberlain

Anne Marie …….. Aure Atika

El padre …….. Jean-Marc Thibault

Jérémy ……. Arthur Le Houérou

Director:

Stéphane Brizé

País:

Francia

Salas:

Multiplex Belgrano

Patio Bullrich

Arteplex Belgrano

Arteplex Centro

Arteplex Caballito

Arteplex V. del Parque

Showcase Norte

Sunstar San Isidro

Monumental Lavalle (DVD)

Calificación:

SAM 13

Duración:

98 min.

Top Ten Semanal, Películas del 09 al 14 de Septiembre

2010-09-15T18:25:00.002-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

#	Título	Público	Pantallas
1	GATURRO	94,604	103
2	IGUALITA A MI	72,442	106
3	LOS INDESTRUCTIBLES	63,707	81
4	EL ULTIMO EXORCISMO	60,477	44
5	EL ORIGEN	36,390	110
6	EL BAILE DE LA VICTORIA	29,062	42
7	TINKER BELL: HADAS AL RESCATE	28,778	47
8	EL HOMBRE DE AL LADO	23,812	36
9	EL ULTIMO MAESTRO DEL AIRE	20,141	73
10	COMO PERROS Y GATOS 2	19,967	70

Top Ten Semanal, Películas del 02 al 07 de Septiembre

2010-09-08T11:58:00.004-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

#	Título	Público	Pantallas
1	LOS INDESTRUCTIBLES	109,444	89
2	IGUALITA A MI	107,132	108
3	EL ORIGEN	59,958	139
4	COMO PERROS Y GATOS 2	54,479	105
5	TINKER BELL: HADAS AL RESCATE	46,556	53
6	EL ULTIMO MAESTRO DEL AIRE	45,462	114
7	AGENTE SALT	33,312	61
8	EL HOMBRE DE AL LADO	30,036	37
9	AMOR A DISTANCIA	28,769	37
10	EL HOMBRE SOLITARIO	10,295	21

Top Ten Semanal, Películas del 26 al 29 de Agosto

2010-08-30T23:14:00.002-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

#	Título	Público	Pantallas
1	IGUALITA A MI	100,582	109
2	EL ORIGEN	64,770	134
3	COMO PERROS Y GATOS 2	54,604	105
4	AGENTE SALT	53,129	63
5	EL ULTIMO MAESTRO DEL AIRE	47,436	107
6	EL HOMBRE SOLITARIO	17,055	18
7	MI VILLANO FAVORITO	16,840	90
8	DEPREDADORES	12,475	47
9	VINCERE	9,151	19
10	SHREK PARA SIEMPRE	7,665	52

Agente Salt, Angelina a pura acción

2010-08-27T18:57:00.006-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★1/2

Angelina Jolie regresa a la pantalla gigante interpretando a Evelyn Salt, un agente de la CIA. Si buscas acción en ésta película, la tenes desde el momento cero. Luego de que un supuesto agente Ruso delata la verdadera identidad de Evelyn Salt, quien es acusada de estar infiltrada en la CIA y de pertenecer al servicio de inteligencia Ruso (KGB), las escenas de acción se suceden unas a otras. El espectador siempre se encuentra en un estado de tensión e incertidumbre por como avanzará la historia, que por lo cierto, es ingeniosa y no cae en lo obvio. Es así, que Angelina Jolie puede terminar siendo la heroína que previene un ataque terrorista masivo contra los Estados Unidos, o por el contrario, la agente que lleva a cabo el golpe.

En el film se destacan no solo la actuación sublime de Angelina Jolie, sino que está acompañada por un elenco de grandes actores. Filmada con buen ritmo visual, y con secuencias de acción dignas de una película de espías, Agente Salt seguramente tendrá su Agente Salt 2 y 3, todo depende de la aceptación del público a la primer entrega, la cual es altamente recomendable.

Reparto:

Angelina Jolie como Evelyn Salt
Liev Schreiber como Ted Winter
Chiwetel Ejiofor como Peabody
Daniel Olbrychski un desertor ruso.
August Diehl como Mike Krause
Olek Krupa como Matveyev Presidente ruso.
Hunt Block como Presidente de los Estados Unidos.

Estreno: 26 de Agosto

Sitio Web: http://www.sonypictures.com.mx/Sony/HotSites/Mx/agentesalt/

Otras Críticas:

http://elbazardelespectaculocine.blogspot.com/2010/08/agente-salt-critica-salt.html

http://www.cinevistablog.com/agente-salt-resena-critica/

De vuelta a la Vida, Padre Full Time

2010-08-26T13:12:00.006-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★

Basada en la obra autobiográfica, "The Boys are Back In Town" de Simon Carr, DE VUELTA A LA VIDA es una película sobre las relaciones familiares. El film, cuyo núcleo son los personajes, hace una reflexión única sobre la familia moderna, en este caso formada por Joe Warr (CLIVE OWEN), un renombrado y talentoso periodista deportivo británico, y sus dos hijos, que deben aprender a arreglárselas tras la trágica muerte de Katy, segunda esposa de Joe y madre de uno de sus hijos.

Joe se enamora de la jinete australiana Katy (LAURA FRASER) y decide dejarlo todo e irse a vivir con ella a Australia. Allí disfrutan de una idílica vida familiar con su hijo Artie (NICOLAS MC ANULTY), en una entrañable casa situada en un barranco cercano a la costa.

Joe es erudito, obstinado, chovinista, divertido y egocéntrico. A veces se toma un par de copas y a veces recuerda que es padre. Pero la tranquilidad desaparece de su vida cuando Katy muere trágicamente de cáncer. Joe se queda hecho polvo y debe enfrentarse a una nueva situación: ahora debe aprender a vivir con el luto y aprender a educar a su hijo Artie, un chiquillo de seis años al que prácticamente no conoce.

Joe no sabe muy bien cómo se educa a un niño, pero tiene muy claro que debe evitar a toda cosa que su dispuestísima suegra Barbara (JULIA BLAKE) tome las riendas y gobierne la situación. Joe decide intentar hacerlo solo y echa por tierra todas las reglas de la buena vida familiar. A partir de ahora sus vidas estarán gobernadas por una nueva filosofía vital: el "Di que sí".

Este enfoque da pie a muchas situaciones cómicas que se complican aún más cuando Harry (GEORGE MAC KAY), el hijo de catorce años de Joe nacido durante su anterior matrimonio, decide irse a vivir con su padre a Australia. El alocado mundo ‘sin reglas’ que ha creado Joe muta rápidamente del “Mundo Encantado de los Niños Perdidos de Peter Pan” para convertirse en un “paraíso salvaje semi-silvestre”.

El camino de Joe hacia la felicidad estará cargado de obstáculos: su hijo Harry lo culpa de haberlo abandonado, su suegra Barbara critica ferozmente la falta de estabilidad, estructura o disciplina que gobiernan la vida de Artie, y Laura… Laura (EMMA BOOTH) es un caso aparte.

Laura es la mamá de Lucy, una niña del colegio de Artie, que se lleva bastante bien con Joe, aunque empieza a temer que lo de Joe no sea una filosofía sino una manera de disfrazar su irresponsabilidad y su vagancia. Joe acude a Laura cuando necesita algo, pero nunca la ha invitado a una cita. Laura suele lograr ocultar su desilusión, pero el incidente del pollo congelado descongelándose en la bañera es la gota que colma el vaso…

La situación estalla cuando Joe se arriesga a dejar a sus hijos solos el fin de semana por motivos laborales. En su ausencia, su casa es invadida por adolescentes y como resultado, esta nueva familia fundada por Joe acaba hecha añicos. Ahora debe hacer frente a la situación y a sus miedos y solventar sus fallos para recuperar a los chicos.

Acaban creando una nueva unidad social: una familia compuesta por un padre que vive con sus dos hijos. Sin mujeres. Como si fuera un experimento lanzado en un satélite, libre de influencias terrestres.

DE VUELTA A LA VIDA es una historia plena de ternura en la que Joe pasará de ser padre de tiempo parcial a papá de tiempo completo y aprenderá a hacer frente al dolor causado por la muerte de su esposa además de plantearse, por primera vez en su vida, cuáles son las necesidades de sus hijos Artie y Harry.

REPARTO

Clive Owen... Joe Warr
Emma Booth.......... Laura
Laura Fraser... Katy Warr
George MacKay... Harry Warr
Nicholas McAnulty... Artie Warr
Julia Blake... Barbara
Chris Haywood... Tom
Erik Thomson... Digby
Natasha Little... Flick
Lewis Fitz-Gerald... Tim Walker
Nakia Pires... Lucy
Emma Lung........... Mia
Georgina Naidu... Paula
Daniel Carter ... Hijo de Digby y Paula

Director: Scott Hicks

Otras Críticas:

http://www.escribiendocine.com/criticas/han-vuelto-los-ninos

http://otrocine.com.ar/criticas_detalle.php?idnota=4555&PHPSESSID=e258febaaf5bccab22e89aa32b0908fc

Top Ten Semanal, Películas del 19 al 23 de Agosto

2010-08-24T17:40:00.005-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

#	Título	Público	Pantallas
1	IGUALITA A MI	123,788	105
2	EL ORIGEN	92,192	142
3	EL ULTIMO MAESTRO DEL AIRE	71,658	111
4	COMO PERROS Y GATOS 2	67,196	105
5	MI VILLANO FAVORITO	23,049	111
6	DEPREDADORES	22,448	50
7	SHREK PARA SIEMPRE	16,398	94
8	EL APRENDIZ DE BRUJO	15,688	81
9	PAJAROS VOLANDO	12,956	42
10	VINCERE	12,289	17

El Hombre Solitario, Un Michael Douglas Cincuentón

2010-08-24T16:48:00.009-03:00

Por: Mateo Lorenzo
mateo.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★1/2

Ben (Michael Douglas), un cincuentón, ex dueño de una empresa automotriz, está atravesando tiempos difíciles: ve como su carrera y su vida personal se van arruinando lentamente debido a sus continuas indiscreciones. Sigue teniendo contacto con su ex esposa Nancy (Susan Sarandon), y con su hija Susan (Jenna Fischer). Lucha por recuperar su carrera y para esto comienza a salir con una empresaria local llamada Jordan (Mary-Louise Parker), cuyo padre es un pez gordo en la industria automotriz y le garantiza a Ben ayudarle con la venta de autos. A cambio Jordan le pide a Ben que acompañe a su hija Allyson (Imogen Poots) a Boston para un tour por su Universidad; él accede a regañadientes. Allí conoce a Cheston (Jesse Eisenberg), a quién trasforma en su “aprendiz”, y se reencuentra con Jimmy (Danny DeVito) un viejo amigo olvidado. Pero Ben es un seductor incorregible y muchas decisiones tomadas allí causan nuevamente el viraje de la dirección de su vida, en todos los planos posibles, incluyendo su relación con todos sus seres queridos.

Lo más interesante del Film es el mensaje que transmite, el cual nos dice que no importa la edad que tengamos, siempre podemos hacer grandes cambios en nuestras vidas. Los hombres que seuperan los 50 se sentirán altamente identificados con el personaje principal que interpreta Michael Douglas, quién realiza una performance sólida.

Elenco
Michael Douglas... Ben
Mary-Louise Parker... Jordan
Jenna Fischer... Susan
Jesse Eisenberg... Cheston
Imogen Poots... Allyson
Susan Sarandon... Nancy
Danny DeVito... Jimmy

Dirección: Brian Koppelman y David Levien

Guión: Brian Koppelman

Duración: 90 minutos

Género: Comedia

Estreno: el día Jueves 26 de Agosto

Otras críticas:
http://www.hollywoodreporter.com/hr/film-reviews/solitary-man-film-review-1004012227.story

http://elbazardelespectaculocine.blogspot.com/2010/08/el-hombre-solitario-critica-solitary.html

Interview, Un cruce de intrigas

2010-08-24T16:40:00.003-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★1/2

Sienna Miller y Steve Buscemi asisten a un peligroso juego en un drama cargado de sensualidad, que habla de los medios de comunicación, de la verdad y de la fama. El autodestructivo Pierre Peders conoce bien la violencia y la atrocidad. Es un conocido reportero de guerra, ha recorrido el mundo y ha visto las peores cosas que se pueden imaginar. Entonces, no es sorprendente que no le guste nada la idea de entrevistar a Katya, la estrella de telenovelas estadounidense. Nada más al conocerse, los dos mundos se enfrentan: el de Pierre, políticamente serio y preocupado, y el de Katya, el mundo superficial de los famosos. Sin embargo, las apariencias engañan y a medida de que se van abriendo, encuentran una conexión más profunda. Cada uno tiene una herida aún sin cerrarse y sufre a su manera. Pero la honestidad lleva a la desilusión. Su confrontación se convierte en una apasionada partida de ajedrez con grandes dosis de ingenio, intriga y tensión sexual que acabará de una forma totalmente inesperada.

Luego de la muerte de Theo van Gogh, Steve Buscemi cumple su sueño de rodar un film de éste director con Actores Hollywoodienses. El film nos atrapa y nos mete en ese mundo en el cual el espectador también es engañado y persuadido por los personajes. Muy recomendable para aquellos amantes del cine de Theo van Gogh.

Otras Críticas:
http://www.elmulticine.com/peliculas_listado2.php?orden=1615

http://www.lahiguera.net/cinemania/pelicula/2598/

Ficha Artística:

Steve Buscemi ... Pierre Peders

Sienna Miller ... Katya

Ficha Técnica:

Dirección ...Steve Buscemi

Basado en el film de ...Theo Van Gogh

LA MIRADA INVISIBLE, El Nacional Bs As en la Dictadura

2010-08-24T15:50:00.004-03:00

Por: Mateo Lorenzo

mateo.criticunder@ymail.com

ACERCA DE LA MIRADA INVISIBLE

por Diego Lerman (Director)

En términos personales, tengo una historia familiar vinculada a la persecución, el exilio y la desaparición, durante la dictadura militar. Pero siempre me negué de alguna manera a hacer cine con esa parte de mi vida. Sin embargo cuando leí la novela "Ciencias Morales" de Martín Kohan sentí que era perfecta para involucrarme con ella. La historia tiene muchas capas de sentido y no es una trama temática, sino que la dictadura actúa como contexto.

Lo primero que me sedujo de la novela Ciencias Morales fue su punto de vista, una mirada absolutamente singular, lúcida y original. La novela de Martín Kohan cuenta una historia condensada en donde el fuera de campo tiene un valor preponderante.

No es un argumento que ponga blanco sobre negro sino que ahonda en otros aspectos de lo que fue el sistema represivo de la dictadura militar desde la subjetividad de un personaje ajeno al contexto, sexualmente reprimido y en "estado de búsqueda".

La película está ambientada en el año final del régimen, en su etapa de decadencia más plena, justo antes de la guerra de Malvinas, y la defino cómo una fábula moral ambientada en la dictadura. A través de una trama muy sencilla y singular aparece en toda su dimensión el sistema represivo de la época.

Para la puesta en escena busqué en todo momento hacer una "película viva", no quedar atrapado en la sordidez de la época sino por el contrario darle una vivacidad que la corriese de un lugar hermético, solemne ó rígido. Intenté que tenga cierta liviandad de tono encarnado en la ingenuidad de la Preceptora , un personaje que no es protagonista de la realidad social que se está viviendo sino una suerte de ingenua observadora.

Intenté trabajar el suspenso de la historia y plantear casi una película de género. En ese sentido la propuesta de focalización es extrema, toma el punto de vista de María Teresa y en ningún momento se despega de ella.

Las perversiones y horrores que cometieron los distintos gobiernos militares de la dictadura entre el ´76 y el ´83 tuvieron como finalidad implementar un sistema de distribución de la riqueza absolutamente desigual, hubo para este modelo represivo reproducciones análogas en diferentes ámbitos.

El Nacional Buenos Aires es tal vez el colegio de mayor renombre, cultor de una educación liberal y erudita me pareció un interesantísimo lugar en el cual centrarse, un ejercicio de condensación absoluta, como poner la lupa en una microcélula.

Todo lo referente a la época, la represión, la militancia, las desapariciones están fuera de campo. Y ese es el rasgo de mayor singularidad que propone esta película: hacer una asociación metonímica - describir exhaustivamente la parte para construir el todo.

Otras Críticas:
www.cinevivo.org/home/?tpl=home_nota&idcontenido=3533

www.pochoclos.com/estrenos/la-mirada-invisible

Salas: Atlas Santa Fe / Gral. Paz / Village Caballito / Cinemark Pto. Madero /
Hoyts Unicenter / Showcase Belgrano / Showcase Norte /
Cinema Devoto / Monumental Lavalle / Lorca / Cinema City (La Plata)

Duración: 97 mintuos

Calificación: Sólo apta para mayores de 16 años

Otro entre otros, Judíos Gays en Argentina

2010-08-24T15:16:00.005-03:00

Por: Joan Milton Cwaik (colaborador)
criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Hacer el bar-mitzva, ir a un shule, concurrir a tnuot y casarse con una mujer de la colectividad - Son algunos de los hábitos más tradicionales de los miembros de la comunidad judía, que representa aproximadamente el 5% de la población nacional Argentina; romper, eludir o evadir alguna de estas costumbres puede llegar hasta una excomulgación, tanto social como intrafamiliar, del miembro que las corrompa. ¨Otro entre otros¨ se centra en la historia de cuatro judíos homosexuales, explorando y revelando tanto sus infancias como su presente e ideas para el futuro. Maximiliano Pelosi, realizador del film, incorpora un toque cómico a un documento que podría haber sido mucho más serio, pero que no dejó mala imagen con su enfoque divertido, si bien tiene unos momentos dramáticos necesarios. Está todo bien logrado, y lo que podría aburrir: las historias de vida, están marcadas por una amplia variedad de imágenes rápidas que hacen a la película dinámica, con aspectos tanto argentinos como obviamente -muchos- judíos y homosexualidad cómica y "trágica" de entrada. Esta realización es un excelente relato para aprender acerca de los hábitos culturales de una de las minorías que existen en nuestro país y más aún, sobre un nicho específico de la misma, que le permitirá al público conocer historias de vida acompañadas de un marco conservador -o no tanto- y el impacto social que estos generan.

Otras Críticas:

http://www.cinecartelera.com.ar/otro-entre-otros/

http://www.elargentino.com/nota-102085-Otro-entre-otros-La-historia-de-los-judios-gays-en-Argentina.html

Dirección:

Maximiliano Pelosi

Estreno: (Argentina): 19 Agosto 2010

Género: Documental

Origen: Argentina

Duración: 72 minutos.

Clasificación: AM13

Salas: Cine Gaumont y Malba

London River, opuestos complementados por una tragedia

2010-08-24T14:41:00.004-03:00

Por: David Pessacg
Pessacgcriticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

Sumidos en el atentado sucedido al transporte público de Londres en 2005, Bouchareb nos traslada a la trágica realidad de un padre y una madre que viajan a la capital inglesa, temiendo por la seguridad de sus hijos luego del conflicto. Dos historias distintas, que se unirán a partir del momento en que ambos den cuenta de la relación que sus hijos mantenían entre sí. Quizá el gran logro del director sea haber encontrado el adecuado ritmo para poner en evidencia, como viejos prejuicios e ideas modeladas, pueden modificarse tan solo con aumentar la capacidad de entendimiento y respeto hacia lo que por alguna razón se considera “diferente”. Es precisamente ese, el momento en el cual la historia se torna hacia un sentimentalismo dramático, reconociendo ambos padres su mismo objetivo, y uniéndose para conseguir averiguar lo que les había sucedido a ellos. La madre (de origen inglés), logra superar el alto grado de etnocentrismo reflejado en la negada actitud que tiene al enterarse que su hija no sólo vivía en un barrio árabe con un joven originario de allí, sino que estaba estudiando el idioma y sus costumbres. El padre, quien no veía a su hijo desde los seis años, se convierte en el artífice, en el desestructurador de los negativos pensamientos que ella tenía hacia su color de piel y religión. El director no tropieza al momento de recrear la consternación, y solidaridad de los habitantes de Londres ante la magnitud del hecho, y refleja con fidelidad las consecuencias que la tragedia produjo. Bouchareb ofrece como resultado final una conmovedora historia de polos contrarios ensamblada por el sufrimiento que produjo el mayor atentado terrorista que ha sufrido Inglaterra en toda su historia.

Otras críticas a London River:

http://www.precriticas.com/criticas/mejorando-la-imagen/

http://www.decine21.com/peliculas/london-river-18160

Calificación: ATP

Duración: 87 minutos

Salas: Cinemark Palermo, Hoyts Abasto, Hoyts Unicenter, Village Caballito , Village Pilar , Showcase Norte, Showcase Belgrano, Atlas General Paz, Paradiso (la plata), Patio Bullrich, Multiplex Belgrano, Arteplex Belgrano, Ateplex Caballito, Arteplex Centro , Arteplex Del Parque, Monumental Lavalle.

Police adjetive, la abstracción de las cosas

2010-07-22T21:47:00.002-03:00

Por: Sandrina Gallego (colaboradora)
sandrina.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★

Coagula cualquier posibilidad de entretenimiento. En un contexto social lúgubre de un barrio de Rumania que no dista demasiado de alguno de nuestro con-urbano y su clase media baja a baja.

Un hombre en su quehacer habitual acentuado en la acción, comer, beber, fumar, esperar, en la profunda vehemencia del tiempo real, es el instrumento a través del cual podría dilucidarse que el argumento es pretexto para un concepto de cine sublime y o subliminal.

Precisa, desarrollándose en la psicología de las cosas, mostrándose a si misma como un reflejo milagroso de la existencia. Un personaje oficiando la justicia he instigado por ella, define una situación agobiante desglosando en el destino de la justa tarea el margen de libertad de un acto corrupto.

El pensamiento como protagonista de la palabra para el entendimiento filosófico de un sentimiento confuso a través de la razón desencontrados entre el criterio propio y el deber.

Una película en pendiente a la esencia, es como haber mirado un cuadro por horas descubriendo con el tiempo el lugar de cada cosa y lo que significan todas ellas...

Otras críticas a Police Adjetive:

http://cineconcristal.blogspot.com/2010/04/police-adjective-y-angela-basset-en-el.html

http://www.cinencuentro.com/2010/04/17/bafici-2010-police-adjective-2009/

INTÉRPRETES: Dragos Bucur, Vlad Ivanov, Ion Stoica, Irina Sailescu, Cosmin Selesi
GUIÓN: Corneliu Porumboiu
FOTOGRAFÍA: Marius Panduru
MONTAJE: Roxana Szel
PRODUCCIÓN: Marcela Ursu

Salas Arteplex (Belgrano, Centro, Caballito y Villa del Parque), Paseo del Siglo (Rosario), América (Santa Fe)

Calificación: SAM 13 años

Duración: 110 minutos

Partir, un culebrón de mediana edad

2010-07-22T20:47:00.002-03:00

Por: Patricio Pereyra
patricio.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★

Partir de que un dramón y/o culebrón siempre es bienvenido a la cartelera porteña es una pauta interesante. En este caso, Partir, es el particular relato de un amor marcado por la brecha social de la fatalidad… de personajes claramente afectados por sentimientos encontrados y desencontrados, totalmente trastornados.

Partir cuenta la historia de Suzanne (Kristin Scott Thomas), una esposa burguesa hacendada en el sur de Francia, con un matrimonio aparentemente feliz pero bastante afectado por la rutina. Una esposa insatisfecha que decide reanudar su trabajo como kinesioterapeuta y así convence a su marido Samuel (Yvan Attal) de instalar un gabinete. En medio de la construcción conoce a Iván (Sergi López), un ex presidiario devenido en albañil, por el que perderá la cabeza.

La historia, que se lleva adelante en el sur de Francia, trillada pero efectiva bajo el sustento de excelentes actuaciones y una dirección sumamente prolija, que logra el golpe de efecto adecuado, en el momento indicado. Una película de personas de mediana edad, punto en lo que puede destacar su originalidad. Repito: no mucho más pero que solo eso lo hace nteresante.

Dirección: Catherine Corsini.
País: Francia.
Año: 2009.
Duración: 85 min.
Género: Drama.
Interpretación: Kristin Scott Thomas (Suzanne), Sergi López (Iván), Yvan Attal (Samuel), Bernard Blancan (Rémi), Aladin Reibel (Dubreuil), Alexandre Vidal (David), Daisy Broom (Marion), Berta Esquirol (Berta), Gérard Lartigau (Lagache). Guión: Catherine Corsini; con la colaboración de Gaëlle Macé.
Producción: Fabienne Vonier.
Fotografía: Agnès Godard.
Montaje: Simon Jacquet.
Diseño de producción: Laurent Ott.
Vestuario: Anne Schotte

ti

Las hierbas salvajes, de las que mueren

2010-07-19T12:54:00.001-03:00

Por: Sandrina Gallego (colaboradora)
sandrina.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★★

De cuando un incidente une a los extraños en la vida y la muerte.

Obsesión, secretos de pasado lúgubre que amenazan subjetiva y graciosamente el presente en la estrategia novelístico-cinematográfica en la que el director Alain Resnais adapta a la pantalla grande la novela "L`incident" de Cristian Gailly.

Un hombre se encuentra alterando en el hecho casual la monotonía de su vida corriente y una mujer solitaria y audaz es víctima de una persecución que la seduce y atrapa. Hobbies, pasatiempos, son la cercanía de dos personas lejanas encontradas en malas suertes.

La imagen ilusoria se contrapone a la real generando otra situación en la misma escena, los diálogos son intensificados por la voz que dice el pensamiento increpando en cómica tragedia, agobiando en tanto, el suplicio del encuentro.

De una violencia casi renegada del amor obstinado que agrega intriga y tensión. Los personajes de reparto prestan a la incertidumbre de la trama un dejo ambiguo y de sutil acceso. Los detalles fílmicos en cuanto a los géneros en cuestión aportan una segunda lectura en el motivo entramado. Inquietante, de pasado amenazador, presente difícil, y futuro imposible.

Dirección: Alain Resnais.
Con Sabine Azéma, André Dussollier, Anne Consigny, Emmanuelle Devos, Mathieu Amalric, Michel Vuillermoz, Edouard Bauer, Annie Cordy, Sara Forestier.
Guión: Alain Resnais y Laurent Herbiet, sobre la novela El incidente, de Christian Gailly.
Fotografía: Eric Gautier.
Música: Mark Snow.
Edición: Hervé de Luze.
Duración: 104 minutos.
Apta para todo público.

La Pivellina, un perla negra italiana

2010-07-08T03:26:00.003-03:00

Por: Patricio Pereyra
patricio.criticunder@ymail.com

Calificación: ★★★★

El nuevo cine italiano llega de la mano de una dupla: Tizza Covi, italiana y Rainer Frimmel, austriaco. La Pivellina desembarcó en las salas de Argentina después de su paso por el BAFICI y multipremiada, hasta el cansancio, en todo el mundo, de una manera inmejorable.

La historia de Patricia, una cincuentona de cabellos rojos, comienza cuando ella está buscando a su perro, Hércules, en un parque de la periferia de Roma, encuentra a una niña pequeña abandonada, que lleva entre sus ropas un mensaje de la madre que promete volver algún día a buscarla. La nena, que dice llamarse Aia (Asia), es acogida en un campo habitado por artistas de circo y con la ayuda del adolescente Taio, empiezan a cuidarla. Patti empieza a buscar a la madre de la niña y mientras tanto le da afecto y una nueva casa. Es un mundo pobre y precario, pero rico en calidez, afecto y alegría.

No es una historia verdadera, pero en todo momento el espectador estará inserto en las vidas de los protagonistas, en un film que tiene mucho del formato docu-reality. La humanidad y coraje de estos personajes sumidos en la marginalidad, por los prejuicios de la sociedad italiana, da un tinte totalmente diferente otorgando una nostálgica ternura. Personajes entrañables, que desearíamos encontrarnos en el camino de la vida.

Quiero aclarar que la hora y media de cinta puede tornarse excesiva, densa, en algunos momentos, a los ojos del espectador argentino. Es un buen film intimista, con excelentes actuaciones, que no cuenta una gran historia, sino una simple, chiquita pero efectiva… algo a que el público argentino no está acostumbrado a consumir.

No seamos pretenciosos con aspectos secundarios y empecemos a apoyar masivamente, esperando que la apertura del imaginario colectivo llegue a las salas donde se presente: LA PIVELLINA.

Ficha técnica.
Dirección: Tizza Covi y Rainer Frimmel.
Guión / Montaje: Tizza Covi.
Fotografía / Producción: Rainer Frimmel.
Duración: 104 minutos
Año de realización: 2009